Giappone

Cultura: letteratura. Il periodo Kamakura

Con il periodo Kamakura (1185-1333), dal nome della città sede del primo governo militare o shogunato, la storiografia di corte perse prestigio a favore di quella shogunale. Traccia la storia del Paese dal 1180 al 1266 l'Azuma Kagami (Specchi delle province orientali). In narrativa si ebbe lo sviluppo del gunki monogatari (racconto di guerra), di tono epico, ispirato alle recenti lotte tra le grandi famiglie feudali. Famosi: l'Hōgen Monogatari (Storia dell'era Hōgen), l'Heiji Monogatari (Storia dell'era Heiji), l'Heike Monogatari (Storia degli Heike) e il Genpei Seisuiki (Prosperità e decadenza dei Taira e dei Minamoto). Più tardo il Taiheiki (Cronaca della grande pace), che narra la caduta dello shogunato di Kamakura e l'instaurazione di quello degli Ashikaga. Del genere zuihitsu (note sparse) sono celebri due opere: l'Hōjōki (Ricordi della mia capanna) di Chōmei Kamo no (1154-1216) e lo Tsurezuregusa (Varietà dei momenti d'ozio) di Hōshi Kenkō (1283-1350). Un bel diario di viaggio è l'Izayoi Nikki (Diario della sedicesima notte) della monaca Abutsu-ni (1209-1283). Altro lungo diario è il Meigetsuki (Note scritte al chiaro di luna) di Teika Fujiwara (1162-1241), uno dei compilatori dello Shinkokinshū e altre antologie ufficiali, ma soprattutto famoso per una fortunata scelta di tanka dei sec. VI-XIII, lo Hyakunin Isshu (Cento poesie di cento poeti).



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Cultura: letteratura. Il periodo Edo o dei Tokugawa

Nel periodo Edo o dei Tokugawa (1603-1868), in cui il governo shogunale passò ai Tokugawa e la sua sede a Edo (odierna Tōkyō), l'incremento delle industrie e dei commerci determinò l'ascesa di un ceto urbano e mercantile, per le cui esigenze sorse una narrativa di destinazione popolare, interamente in kana e di contenuto avventuroso o favolistico o aneddotico. Noto cultore del genere fu Ryōi Asai (1621-1691). Su una traduzione olandese fu condotta una versione in giapponese delle favole di Esopo, l'Isoppu Monogatari. Si erano già instaurati, infatti, i primi contatti con gli europei ed era iniziata anche l'introduzione del cristianesimo, poi osteggiato e perseguitato. Queste vicende non influenzarono molto la letteratura, ma ispirarono opere narrative come il Kirishitan Taiji Monogatari (Storia dello sterminio dei cristiani). Grande successo ebbe un nuovo tipo di romanzo, l'ukiyo-zōshi (libri del mondo fluttuante), ispirato alla vita di tutti i giorni nelle grandi città. Principale autore del genere fu Saikaku Ihara (1642-1693), le cui numerose opere – tra cui Kōshoku ichidai otoko (1682; Vita di un libertino), Kōshoku ichidai onna (1686; Vita di una mondana), Nippon eitaigura (1688; Il magazzino eterno del Giappone) – rivelano una grande inventiva e una straordinaria capacità di creare nuovi modelli che mescolano elementi romantici con un realismo scettico e privo di sentimentalismi. La via iniziata da Saikaku fu portata avanti, seppure con risultati meno brillanti, da Kiseki Ejima (1667-1736) e Ippū Nishizawa (1665-1731). A partire dalla seconda metà del Settecento si affermarono altri generi di narrativa in prosa: i kibyōshi (copertina gialla), umoristici e spesso satirici, e gli sharebon (libri alla moda), ambientati nei quartieri di piacere delle grandi città e in particolare nello Yushiwara di Edo. Dedicati alle relazioni fra clienti e prostitute, alla complicata etichetta e al sistema di valori che le regolava, essi contano fra gli scrittori più rappresentativi Nanpo Ota (1749-1823) e Kyōden Santō (1761-1816). Proibiti nel 1790 per ragioni di pubblica morale, gli sharebon cedettero il passo ai ninjōbon (libri di sentimenti) che, pur trattando in sostanza gli stessi argomenti e gli stessi ambienti, accentuavano l'elemento dell'amore romantico. Fra gli autori di maggior rilievo si ricorda Shunsui Tamenaga (1789-1843). Un altro genere di grande importanza fu costituito dai cosiddetti yomihon (libri da leggere), racconti storici e avventurosi, spesso ispirati alla letteratura popolare cinese, che riservavano particolare attenzione all'intreccio e allo stile, imponendosi un maggior impegno letterario e artistico. Interprete insuperato di questo tipo di racconto fu Akinari Ueda (1734-1809): le sue raccolte, Ugetsu monogatari (Racconti di pioggia e di luna) e Harusame monogatari (Racconti delle piogge di primavera), restano fra gli esempi più interessanti di racconti storici, spesso dominati dall'elemento fantastico e soprannaturale. Dopo di lui, Bakin Takizawa (1767-1848) diede ulteriore sviluppo al genere, accentuando in modo vistoso da una parte l'elemento avventuroso e i colpi di scena, dall'altra la componente didattica ispirata alla morale confuciana e al buddhismo. La poesia haikai assurse a dignità artistica con Bashō Matsuo (1643-1694), evolvendosi in un genere lirico di carattere fortemente impressionistico. Di haikai intercalati a prosa furono composti i diari di viaggio del poeta, fra i quali resta più famoso lo Oku no hosomichi (La stretta via verso il nord). Ripreso successivamente da Buson Yosa (o Taniguchi) (1716-1783) e Issa Kobayashi (1763-1827), lo haikai (denominato haiku in epoca moderna) resta uno dei generi poetici più originali della letteratura giapponese. Il teatro si sviluppò a sua volta, dando vita a due generi “popolari”: il kabuki, interpretato da attori, e il jōruri (oggi bunraku), teatro dei burattini. Il maggior autore di testi fu Monzaemon Chikamatsu (1653-1724), cui si devono drammi storici di grande spettacolarità e drammi sociali ispirati ai conflitti inevitabili fra le imposizioni di una società fortemente gerarchica e conservatrice e le esigenze di libertà individuale. Tra gli altri autori di teatro ricordiamo Kaion Ki no (1663-1742) e Izumo Takeda (1691-1756). Quest'ultimo, in collaborazione con Senryū Namiki e altri, fu autore di Kana-dehon chūshin-gura (Un manuale sillabico ovvero il magazzino di vassalli fedeli), la famosa storia della vendetta dei quarantasette samurai, che ancor oggi resta uno dei testi fondamentali del teatro di epoca Tokugawa. Tra gli ultimi grandi autori di drammi kabuki, si ricordano Nanboku Tsuruya (1755-1829), famoso per le sue macabre storie di fantasmi, e Mokuami Kawatake (1816-1893). Un settore a sé costituì la letteratura erudita. Il movimento dei kangakusha (cultori di studi cinesi), affermatosi nel sec. XVII, auspicava un rilancio della cultura cinese e del pensiero neoconfuciano, ispirato al filosofo razionalista cinese Zhu Xi. Esponente di maggior rilievo fu Hakuseki Arai (1657-1725). L'esaltazione della cultura cinese portò come conseguenza la reazione dei kokugakusha (cultori di studi nazionali), che si dedicarono all'interpretazione, al rinnovamento, alla divulgazione del patrimonio della tradizione indigena. Tra i maggiori rappresentanti: Mabuchi Kamo no (1697-1769) e Norinaga Motoori (1730-1801).


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Cultura: letteratura. Gli anni a cavallo del nuovo millennio

Alla fine degli anni Novanta del XX secolo il panorama letterario si apriva, da un lato, all'insegna del successo di una nuova traduzione in giapponese moderno del classico Genji Monogatari (Romanzo di Genji), molto apprezzata dal pubblico, dall'altro recependo i fermenti sociali del momento e soprattutto alcuni episodi di cronaca nera di cui erano stati protagonisti adolescenti, episodi tanto più sconvolgenti agli occhi dell'opinione pubblica in quanto esplosi con incredibile violenza e brutalità all'interno di un Paese che ancora vanta un basso tasso di criminalità urbana. La violenza è la protagonista di Eiji (1999), romanzo di Kiyoshi Shigematsu (n. 1963), storia di un quattordicenne, Eiji per l'appunto, testimone indifferente di una serie di reati, chiuso in un mondo di coetanei retto da regole e ritmi propri, che li separano dalla società adulta. La violenza è la protagonista anche in Indibijuaru Purojekushon (1997) di Kazushige Abe (n. 1968), scrittore fra i principali rappresentanti della cultura giovanile e vincitore nel 2005 del prestigioso Premio Akutagawa con Gurando finare (2004). Con i suoi romanzi ambientati per lo più nel popolare quartiere di Shibuya, fra musica rock, sale cinematografiche e videogames, Kazushige si conferma degno erede di autori quali Haruki Murakami e Ryū Murakami. Indirettamente ispirato all'assassinio commesso a Kōbe da un quattordicenne, teso a sottolineare le disuguaglianze sociali esasperate dalla società consumistica, è Gōrudo Rasshu (1998; Oro rapace) di Miri Yu (n. 1969), scrittrice già apprezzata per altri suoi racconti come Furuhausu (1996) e Kazoku Shinema (1997; Scene di famiglia) nel quale, con un linguaggio conciso e senza retorica, affrontava i temi dello sfaldamento della famiglia. Miri Yu, figlia di coreani residenti in Giappone, è portavoce nei suoi racconti di una “perifericità” rispetto alla cultura ufficiale e di una pervicace resistenza contro ogni forma di omologazione, la stessa che si ritrova nelle pagine di molti romanzi di scrittori di origine coreana, che costituiscono uno degli aspetti di maggior significato, ancorché fra i meno conosciuti, della letteratura di lingua giapponese contemporanea. Si tratta di una letteratura ricca, polemica, talvolta sentimentale, ma che getta una luce inquietante su una delle maggiori sfide che la società giapponese, ancora chiusa nell'illusione di una omogeneità “razziale”, in realtà inesistente, si trova ad affrontare. Miri Yu ha successivamente pubblicato anche Inochi (2000; Vita), un'autobiografia da cui è stato tratto l'omonimo film. I romanzi di Hoesung Lee (n. 1935) e quelli di Sogiru Yan (n. 1936), di cui ricordiamo in particolare Chi to hone (1998; Sangue e ossa), rappresentano un importante contributo in questa direzione. Controcorrente rispetto a una certa tendenza degli anni Novanta, che aveva proposto una lingua letteraria sempre più vicina al colloquiale, disseminata di slang e di parole inglesi o anglogiapponesi, Keiichirō Hirano (n. 1975) sceglie per il suo Nisshoku (1998; Eclisse di sole) - che peraltro si apre con una citazione di Lattanzio e parla di un monaco cristiano nella Francia del sec. XV percorsa da ondate di dottrine “eretiche” - una scrittura rigorosa, intellettualistica, arricchita da un lessico sino-giapponese che sembra scoraggiare ogni possibilità di lettura distratta o frettolosa. Il caso di Hirano, anche autore di Ichigetsu monogatari (1999) e Kao no nai rataitachi (2006), non è l'unico esempio e si allinea alla necessità, avvertita anche da altri scrittori, di salvaguardare la propria fisionomia intellettuale contro la standardizzazione imperante che tende ad appiattire ogni differenza culturale, ma anche di porre un freno al ritmo di comunicazione troppo veloce, sintetico e diretto che il nuovo linguaggio dei computer sembra aver promosso. Un accenno merita il graduale, ma costante successo ottenuto dai libri di Atsuko Suga (1929-1998). Studiosa di letteratura italiana, sensibile traduttrice di autori come Italo Calvino, Antonio Tabucchi e Natalia Ginzburg, Suga è stata inoltre autrice di una serie di saggi pubblicati negli anni della maturità, tutti dedicati alla sua esperienza di vita italiana, ai ricordi dell'infanzia, alle amicizie di un tempo, alle città dove ha vissuto e di cui è riuscita a ricreare l'atmosfera con un linguaggio evocativo e limpido, acclamato dalla critica: Mirano kiri no fūkei (1990; Milano, paesaggi di nebbia), Korushia shoten no nakamatachi (1992; Gli amici della Corsia de' Servi), Venetsia no yado (1993; Dimore a Venezia), Yurusunaru no kutsu (1996; Le scarpe della Yourcenar). Impostasi sulla scena internazionale sul finire del secolo con una letteratura che ha preso le distanze da certo rigore stilistico e dai contenuti ideologici, è Banana Yoshimoto (n. 1964), come Atsuko Suga legata in maniera particolare all'Italia, e apprezzata soprattutto per il suo linguaggio semplice e per i temi in cui si riescono a identificare le giovani generazioni di ogni latitudine (la letteratura Shojo). Tra i suoi lavori si ricordano Kitchen (1988), fortunato romanzo d'esordio, Il corpo sa tutto e Il coperchio del mare (2007). Analoga alla Yoshimoto nel registro di scrittura adottato è Machi Tawara (n. 1962). Degna di nota è anche l'opera scritta a quattro mani da Hitonari Tsuji (n. 1959) e Kaori Ekuni (n. 1964), dal titolo Reisei to jonetsu no aida (1999; Between composure and passion), che si inserisce nello stesso filone letterario, centrale è infatti il tema delle dinamiche di genere. Nel genere poliziesco, che si discosta dai romanzi ispirati agli episodi di cronaca nera citati in precedenza, fra le personalità più interessanti vi sono certamente Natsuo Kirino (n. 1951), pluripremiata in patria per i suoi romanzi, tra cui Le quattro casalinghe di Tokyo, e Yori Fujiwara. Si ricordano ancora i giovani Eimi Yamada (n. 1959) e Rieko Matsuura (n. 1958).



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Cultura: arte. Fino al periodo Asuka

Documento delle prime manifestazioni artistiche in Giappone sono i manufatti fittili realizzati dai portatori del Neolitico in un'epoca di avanzato sviluppo (III-II millennio a. C.). Nella sua fase più evoluta la ceramica Jōmon fu sostituita dalla ceramica dipinta fatta al tornio del periodo Yayoi (sec. IV-III a. C.-III d. C.). Questa cultura, caratterizzata da influenze della Cina meridionale e della Corea, segnò l'introduzione dell'agricoltura e l'inizio dell'età dei metalli con una produzione di oggetti a carattere cultuale. L'attività megalitica svolta in questo periodo con la costruzione di dolmen e di menhir introduce al periodo Kofun, o delle “tombe antiche”, che va dai sec. III-IV al sec. VI d. C., con persistenze che toccano la fine del sec. VII e l'inizio del sec. VIII, cioè già in epoca Nara. Attorno a queste antiche sepolture a tumulo (di cui alcune a forma di vasta toppa, come la tomba dell'imperatore Nintoku a Ōsaka) – se ne contano ca. 50.000 – figuravano gli haniwa, cilindri di argilla recanti nella parte superiore immagini umane (anche animali oppure oggetti in miniatura) eseguite con elementari stilizzazioni e ispirate a modelli della società del tempo (danzatori, falconieri, guerrieri e cavalieri). Rapporti tra la Cina Han e il Giappone Yayoi e Kofun sono documentati dal ritrovamento nelle tombe (di cui alcune di epoca tarda presentano decorazioni pittoriche murali a violenti colori) di specchi in bronzo di fattura cinese (con decorazione a motivi geometrici del tipo “TLV”), considerati oggetto di culto e venerati in Giappone nei templi shintō, la cui architettura deriva dall'originaria forma del granaio rustico della civiltà Yayoi, come appare nell'antico santuario shintō di Ise (sec. VII). A questo modello è ispirata la forma di tutti gli altri templi dello shintoismo nei quattro stili fondamentali (shimmei-zukuri, taisha-zukuri, sumiyoshi-zukuri e kasuga-zukuri) tratti da elementi ricorrenti dei primi templi di Ise, di Izumo e di Nara, più tardi tuttavia sensibili a modifiche e aggiornamenti stilistici per l'assimilazione di elementi dell'architettura buddhista.


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Cultura: arte. Il periodo Nara

Lo svolgimento dell'arte giapponese nei sec. VII e VIII coincide e si attua nel periodo Nara, soprattutto a partire dal 702, in cui maggiore e più conscia è l'aderenza alle istituzioni e al patrimonio culturale della civiltà cinese. A partire dal primo decennio del sec. VIII la presenza della cultura cinese in Giappone, come altrove nell'Asia estremo-orientale, si realizzò con un vero e proprio innesto sulle tradizioni locali già contaminate dall'origine di caratteri formativi sino-coreani. La nuova capitale fu fondata nel 710 a Heijō-Kyō (l'odierna Nara), dopo le precedenti sedi di Naniwa (Ōsaka) e di Fujiwara, ispirandosi per l'urbanistica e per l'architettura al modello della città cinese di Ch'ang-an, capitale delle dinastie Han e T'ang. L'uso tradizionale del solo legno nelle costruzioni se da un lato rese più difficile la traduzione in questo materiale dell'architettura T'ang da un altro riuscì quanto mai proficuo per la libertà di soluzioni e spesso con risultati di autentica originalità. Tra i grandi templi con piante a schemi diversi sorti nel periodo Nara sono da ricordare lo Yakushi-ji, il Tōdai-ji, dotato del caratteristico padiglione (shōsōin), specie di deposito del tesoro derivato nella forma dall'antico granaio shintō; il Kōfuku-ji, il Taimadera, il Tōshōdai-ji e lo Eizan-ji. Di questi e di altri templi rimangono, dell'epoca, isolate costruzioni, come pagode (che qui assumono valore equivalente a quello dello stūpa) e Sale (padiglioni) nella varietà di funzioni a esse assegnate. Sull'impulso di questo fervore costruttivo fiorirono le arti e l'artigianato per l'apporto di artisti e maestranze degli stessi monasteri. Come l'architettura, anche la scultura e la pittura si ispirarono alle fonti cinesi dell'arte T'ang e si realizzarono soprattutto nell'ambito religioso del buddhismo. A sostanziare la scarna documentazione della pittura Nara, limitata nella sua espressione maggiore a ciò che rimane delle pitture che decoravano il Kondō dell'Hōryū-ji, vengono ad aggiungersi ora le pitture murali della tomba di Takamatzu-zuke nel villaggio di Asuka, scoperta nel 1972, la cui datazione oscilla tra la fine del sec. VII e l'inizio del sec. VIII. Queste pitture rappresentano due gruppi contrapposti di “dame” e “valletti”, mentre nelle pareti laterali sono rappresentati animali fantastici legati alla simbologia cosmica cinese. Il realismo delle figure, i particolari delle acconciature e degli abbigliamenti, la ricchezza e la vivacità dei colori, la sicurezza del disegno, mostrano una conoscenza, uno stile e una tecnica senza precedenti nella pittura giapponese di quest'epoca, la cui matrice deve ricercarsi nella tradizione della pittura T'ang, arricchita di elementi centro-asiatici e interferente su uno stile composito sino-coreano. Queste pitture precedono di circa mezzo secolo le prime prove dell'arte degli emakimono: la prima pittura su rotolo appare solo nel 735 attraverso la copia giapponese del sutra cinese Ka ko-Genzai-Inga-Kyo (Causa ed effetto nel passato e nel presente), in cui le scene dipinte sono un'elaborazione della pittura cinese di paesaggi e figure dell'epoca T'ang. Il realismo del brano di pittura della tomba di Takamatzu-zuke è la sola nota di contatto con l vivace realismo offerto dalla scultura Nara, che segna, appunto, in questo senso, un'evoluzione stilistica rispetto alla produzione del precedente periodo Asuka. Oltre alle opere in bronzo del primo periodo Nara, che mostrano già una decisa interpretazione giapponese dello stile cinese T'ang profondamente assimilato (statue di Sho-Kannon e di Yakushi con gli accoliti Gakkō e Nikkō; Nara, Yakushi-ji), importanti sono quelle eseguite in lacca secca e in argilla nel secondo periodo (Tempyō). In argilla essiccata e dipinta sono le statue dei due Bodhisattva che compongono la Triade con Fukūkenjaku Kannon (in lacca secca dorata) nell'antico edificio (Hokkedō) che costituiva il primo Tōdai-ji a Nara, poi destinato a raccogliere opere di scultura, come le gigantesche statue di Kichijōten, di Benzaiten, dei Quattro Re Guardiani. I maggiori esempi di scultura in lacca secca dipinta (tecnica che permetteva di ottenere varietà di effetti e precisa descrizione di particolari) si trovano invece nel Kōfuku-ji di Nara (statue dei Guardiani Celesti e dei Discepoli di Śākyamuni). In lacca secca dipinta è pure un'importante opera di ritrattistica Nara (il Sacerdote Ganjin nel Tōshōdai-ji di Nara), il cui genere trova varietà di espressioni nella ricca produzione delle maschere lignee per la danza Gigaku (in gran numero sono conservate nei templi), dove il gusto per il caricaturale e il grottesco s'accompagna spesso con acute annotazioni psicologiche. La tecnica per le sculture in legno eseguite in un unico pezzo (ichiboku-bori) dà origine a un nuovo stile, che caratterizzerà in parte la successiva scultura Heian.


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Cultura: arte. Il periodo Kamakura

Ancora motivi religiosi e trasformazioni politiche sono all'origine dei fatti artistici prodottisi durante il periodo Kamakura (1185-1333), durante il quale grande importanza ebbero sulla cultura la filosofia zen e il potere della casta militare. Sorsero templi zen nello stile cinese (kara-yo): Kennin-ji (1202, Kyōto), Kencho-ji (1253, Kamakura), “Sala delle Reliquie” (Shariden) dello Engaku-ji (1279, Kamakura). Nacque l'architettura dei samurai, di cui tuttavia non ci sono giunti esempi (elementi essenziali dell'abitazione del samurai erano i fusuma e i kiki-chigaido, porte scorrevoli, una stanza per i colloqui, nicchie per il kakemono e oggetti decorativi, una veranda o shoin). La vecchia aristocrazia ridusse la propria abitazione (shinden-zukuri) all'edificio principale (shinden). Fiorì in quest'epoca l'arte degli emakimono sui temi della storia dei templi (Shigisan-Engi-Emakimono, Kasuga-Gongen-Kenki-Emakimono), sulle feste annuali di corte (Nenju-Gyoji-Emakimono), su racconti di guerra (Heiji-Monogatari-Emakimono), sulle biografie illustrate (e-den) di importanti monaci (Ippen-Shonin-Eden), su altre vicende storiche (Banno-Dainagon-Ekotoba, Moko-Shura-Ekotoba). In pittura si sviluppò anche il genere del ritratto nel quale fu famoso Fujiwara Takanobu (ritratti di Minamoto-no-Yoritomo e di Fujiwara Mitsuyoshi) per l'acutezza dell'indagine psicologica. La medesima appare ancor più sottolineata nell'aggressivo realismo della scultura, in una serie di ritratti (Seshin e Mujaku nel Kōfuku-ji di Nara; il sacerdote Shunjo, Tōdai-ji, Nara; Uesugi Shigefusa, Meigetsuin, Nara) e di espressive immagini di divinità. Oltre a Unkei, i maggiori interpreti della scultura furono Tanchei, Kōkei e il figlio adottivo Kaikei, Kōshō, Jokei.



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Cultura: arte. Il periodo Muromachi

La tendenza della scultura ai modi stilistici del passato si accentuò maggiormente nel successivo periodo Muromachi (1333-1573), che ne segnò un po' la decadenza, mentre si affermava l'arte delle maschere nell'ambito del teatro nō per qualità tecniche e originalità di creazione. Espressione artistica dello spirito zen divenne nel sec. XV la pittura monocroma a inchiostro (suiboku-ga) praticata soprattutto nei monasteri di questa religione a opera dei preti-pittori (gasō). Con questa tecnica, nel tema del paesaggio, eccelsero Josetsu, Shūbun, Sesshū (che fu il maggiore di tutti), il suo allievo Sesson, Kei Shoki. A questi s'aggiungono Nōami, Geiami e Sōami, che ricercarono il carattere decorativo dei paesaggi sulla traccia delle pitture cinesi Sung. Ad altra corrente appartengono in quest'epoca gli iniziatori della scuola Kanō (Masanobu, Motonobu e Yukinobu) a servizio della corte Ashikaga, aperta a ogni forma d'arte. Nei caratteri della pittura Muromachi elementi della tradizione Yamato-e si fondono e rivivono nello stile della scuola Tosa. L'arrivo degli Occidentali nella prima metà del sec. XVI divenne in pittura argomento per temi namban (occidentali del Sud). La diffusione della cerimonia del tè (cha-no-yū) incrementò la produzione di teiere in metallo e di tutto il vasellame in ceramica a essa connessa. L'architettura shinden-zukuri ripiegò su dimensioni sempre più anguste determinando la diffusione dello stile shoin-zukuri.



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Cultura: arte. Il periodo Meiji-Taisho (1868-1926)

Con la fondazione nel 1876 della Scuola di Belle Arti con corsi di insegnamento delle tecniche della pittura a olio occidentale (vi insegnarono gli italiani E. Chiossone e A. Fontanesi; nella sezione della scultura insegnò V. Ragusa). Tale sezione fu poi creata nel 1896 nella Scuola di Belle Arti di Tōkyō, dove insegnò Seiki Kuroda, che aveva soggiornato in Francia. Accanto e in opposizione alle correnti occidentalizzanti, che nel corso della prima metà del sec. XX avevano via via assimilato le influenze del postimpressionismo, del fauvismo, dell'espressionismo, del cubismo, del surrealismo e dell'arte astratta, si rafforzò la corrente fedele agli stili della tradizione, la cui attività giunge fino ai giorni nostri, raccogliendo i migliori risultati però nel campo delle arti decorative, dove i caratteri autentici dell'arte giapponese trovano maggiori disponibilità di espressione.


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Cultura: arte. L’età contemporanea

Determinante appare l'azione svolta in questo dibattito dai movimenti d'avanguardia sviluppatisi in Giappone dopo il 1945. Un'importanza eccezionale assume nei caratteri della civiltà contemporanea giapponese il ruolo svolto dall'architettura (e quindi dell'urbanistica), la cui evoluzione, manifestatasi con l'incontro della civiltà occidentale che portò nell'arcipelago nuovi materiali costruttivi (acciaio e cemento armato) e le influenze di Wright, Le Corbusier, Gropius e Mies van der Rohe, giunge alle sorprendenti realizzazioni che si sono susseguite a partire dagli anni Cinquanta del XX secolo. Tra i maggiori artefici dell'immagine architettonica contemporanea del Giappone, che può essere assunta quale simbolo della sua spettacolare ascesa economica, figurano, a iniziare dai più vecchi, Tōgo Murano e A. Raymond, Junzō Sakakura, Kunio Maekawa, Kiyonori Kikutake, Kisho Noriaki Kurokawa e, soprattutto, Kenzō Tange, le cui opere risentono della bruciante esigenza di rottura con ogni sorta di esitazione dialettica con la storia, ma altresì rivelano, nell'entusiasmante creatività sempre originale, limiti e pericoli che sono propri della produzione sperimentale. Sotto la sua influenza nasce il Metabolism, cui prendono parte Kikutake, Kurokawa e Fumihiko Maki. Numerose le realizzazioni del gruppo nell'ambito dell'architettura istituzionale. Dopo l'Expo di Ōsaka (1970), che segna l'apice del movimento suddetto, la cultura architettonica giapponese mostra due orientamenti: i “professionisti”, fautori di un linguaggio architettonico funzionalista e altamente tecnologico, e i “concettualisti” rivolti alla ricerca estetica e simbolica dell'oggetto architettonico. Tra questi ultimi ricordiamo Arata Isozaki e Kazuo Shinohara. Dagli anni Ottanta del Novecento l'architettura giapponese ha raccolto l'interesse internazionale anche intorno all'opera di Tadao Andō, che, insieme a Isozaki e Shinohara, opera in contesti tra i più diversi in tutto il mondo. L'arte giapponese continua a svolgere un ruolo di primo piano nel panorama internazionale grazie alla sua tensione innovativa e alle soluzioni originali che hanno spesso anticipato esperienze congeneri negli ambienti occidentali. Gli anni Ottanta hanno visto la maturazione delle caratteristiche essenziali, quali la tendenza materica, la forte accentuazione concettuale e la manifestazione artistica intesa come “evento”, già messe in luce nella decade precedente da alcuni gruppi di segno avanguardistico sorti in Giappone con l'intento, fra l'altro, di distinguersi dallo spirito occidentale, traendo ispirazione dal pensiero asiatico. La diversa concezione del mondo e la peculiare filosofia della natura, che hanno sempre dato luogo a un sentimento diffuso di esteticità, nella pratica dell'arte della fine degli anni Ottanta hanno condotto a opere di grande originalità che si imperniano sostanzialmente sul rapporto che coinvolge l'uomo e l'ambiente circostante. In tale prospettiva all'artista viene negato un ruolo “creativo”, limitando la sua funzione a quella di mediatore fra elementi del mondo della natura e percezione del fruitore. L'accostarsi alla natura, considerata quale soggetto compartecipe della manifestazione artistica, ha visto l'intervento dell'artista muoversi nei due sensi dell'esperienza: verso il particolare e verso l'universale. L'attenzione si focalizza cioè su singoli aspetti, nell'ambito dei quali vengono privilegiati materiali quali pietra, legno, acqua, terra, ferro, plastica, ecc., che vengono isolati dall'ambiente circostante onde farne scaturire la bellezza intrinseca. Considerando l'assorbimento dell'artista in un ruolo di catalizzatore e l'impulso a un compimento di visione e di stile di vita, la critica giapponese preferisce riferirsi alla propria arte non come a una “forma d'arte”, ma piuttosto a un “evento”, scorgendo nella definizione “arte che non è arte” l'unica possibilità di circoscrivere in parole la portata essenziale del proprio contributo. Tra le figure più importanti del Novecento figurativo giapponese emergono Saburo Hasegawa (1906-1957), esponente di punta dell'astrattismo, Takeo Yamaguchi (1902-1983), Saito Yoshishige (1904-2001). Nell'arte che fa della sperimentazione tecnologica uno dei motivi fondanti si segnalano Yasumasa Morimura, che unisce la manipolazione fotografica a spunti tratti dalla contemporaneità o dalla tradizione, così come Tatsuo Miyajima. La tecnologia digitale è alla base anche delle opere di Mariko Mori. Masato Nakamura è prevalentemente performer, come i membri del commandN, gruppo artistico che utilizza gli spazi urbani di Tōkyō per le proprie opere-video. Lo sviluppo dell'arte contemporanea si lega per altro verso al proliferare di spazi espositivi, istituzioni, fondazioni e iniziative di respiro internazionale, sia sul fronte pubblico che privato: fra i molti la Tōkyō Opera City Art Gallery, il National Museum of Modern Art e il National Art Centre nella capitale, il Kyōto Art Centre, il Kōbe Art Village Centre.


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